第六十六章 辛苦製作专辑中（2/2）

当这六首歌的小样在排练室响起时，贝斯手罗南·本森第一个按下了暂停键，他挠了挠头，表情困惑。

“伙计们，我得说—这六首歌，听起来完全不像一个妈生的啊！风格跳跃太大了，根本不像现在市面上流行的任何一支乐队的统一调调。”

罗南·本森没想到风格跳跃这么大，他担心听眾会接受不了。

至於唱片公司收录的其他四首歌，属於拿来凑数的。属於当下主流摇滚歌曲，风格变化不大。

然而，吉他手迪兰·斯通和鼓手约翰·凯恩却听得两眼放光。

迪兰激动地挥舞著手臂反驳：“罗南，老兄，你太保守了！我觉得这棒极了！这才是新东西！

谁说摇滚就必须是暴躁的鼓点、失真的吉他solo？

摇滚的核心是精神，是態度！亚歷克斯这些歌，每一首都带著摇滚的反骨和独立思考，只是表达方式不同罢了。

我认为，这完全可以叫新摇滚！”

约翰·凯恩立刻点头附和，补充道：“没错！而且別忘了，我们的主唱可是地道的英国人，这些歌大部分也带著英伦的味道。

迪兰的『新摇滚』概念很好，或许我们可以更精確点，就叫『英伦新摇滚”？这绝对能成为一个卖点。”

亚歷克斯听著队友们的爭论，脸上带著一种瞭然於胸的平静。

他放下吉他，走到控制台前，声音不高却带著核心成员不容置疑的分量：“罗南的顾虑我理解，迪兰和约翰的想法我也赞同。

但我想说的是，风格，”

他轻轻吐出这个词，带著点审视的口吻：“它本质上只是一种形式，一种方便別人把我们归类归档的標籤。

我和麦特·瓦勒斯先生在构思成立holowmen之初，达成的核心共识就是：我们绝不被任何一种风格束缚住手脚。”

他环视著每一位成员，眼神坚定。

“看看当下的音乐版图吧，伙计们。那些把自己锁死在单一风格里的乐队，路是不是越走越窄了？

听眾的口味在飞速变化，市场也在不断分化。

只有敢於尝试、勇於融合，吸纳不同音乐类型的养分，乐队的生命力才能长久，才能真正做到“长盛不衰』。

这六首歌，就是这种理念的第一次实践。

而且..

亚歷克斯的嘴角露出一丝狡点又充满野心的笑容：“我已经在构思下一张专辑了。

我写了几首相当带劲的曲子，融合了金属的凶猛和嘻哈的节奏，我们或许可以称之为『新金属”。

到时候，大家可別被嚇到。”

亚歷克斯是乐队的灵魂，是词曲创作的核心引擎，更是乐队得以存在並签约interscope的根本原因。

他清晰的愿景和不容置疑的音乐领导力，让罗南的疑虑迅速消散。

乐队上下达成了一致：拥抱多元，拒绝標籤化。

目標明確后，地狱般的录音室磨礪正式拉开帷幕。

interscope对这张专辑寄予厚望，派出了豪华的製作阵容，公司金牌製作人大卫·格芬本人与经验丰富的乐队经理麦特·瓦勒斯共同担任製作人。

这两位製作人对音乐品质的追求近乎偏执，堪称“魔鬼製作人”。

录音室变成了一个声音的精密实验室，一个吉他音色的细微差別就要反覆琢磨实验好久。

是更“脆”一点还是更“毛躁”一点？一个贝斯音符的延音长度是否恰到好处？鼓点的力度层次是否足够分明？

亚歷克斯演唱某一句歌词时，是应该带著疲惫的疏离感，还是隱忍的愤怒，或是彻底的绝望？

每一个细节都被放在显微镜下反覆审视、爭论、推翻、重来。

《nosurprises》这首歌，为了捕捉到亚歷克斯声音里那种“平静表面下的室息感”和“近乎机械的精准绝望”，光是主唱人声部分就录了足足七十多遍。

亚歷克斯被要求一遍遍地唱，直到嗓子发乾，眼神都有些发直，大卫·格芬追求的是那种“灵魂被抽空”的精確感。

而《stopcryingyourheartout》的和声部分，更是成了乐队成员的噩梦。

为了达到那种既宏大又纯净、充满救赎力量的圣咏般效果，亚歷克斯和负责和声的成员们被关在录音室里反覆录製，前后加起来超过一百遍。

每一次都要求情感更饱满、音准更完美、融合度更高。

走出录音棚时，大家的耳朵嗡作响，大脑一片空白。

每一天的结束都伴隨著精疲力竭和些许的崩溃感，让乐队苦不堪言。

然而，神奇的是，第二天一早，当大家拖著灌了铅似的双腿再次走进录音室。看到那些闪烁的指示灯、堆叠的母带盘，以及彼此眼中同样燃烧的火焰时，疲惫似乎又被一种更强大的力量驱散了。

不需要麦特·瓦勒斯再做什么战前动员，因为隨著专辑的雏形一天天清晰、丰满，一种强烈的预感在每个人心中滋生、壮大。

“这张专辑，会成功，会大火！”

这种对未来的巨大期待，成了支撑他们熬过魔鬼製作过程的最强心剂。

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